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The Captured Sky (Christian Philipp Schoen)

It is undoubtedly difficult to define our place in the universe. It is not even certain that we have one.

Dr. Jonathan Butterworth, professor of physics, London/Geneva

Heaven used to be a place. It was the realm of good. It was the seat of the gods, the destination of the dead. In bygone times, the metaphysical dimension was understood in architectural terms, as is evident from the expression “the vault of heaven”, or firmament, which is still used nowadays. The sacred architectures of different eras can be understood as manifestations of the celestial sphere. Heaven could even serve as a metaphor for a utopian society, as the image of an ideal spherical city.

Heaven is no longer a place. Its spiritual aura has dissipated. Our enlightened view of existence has not spared heaven. It is no longer a destination, but a path to traverse. Air travel, as well as the fireballs of space rockets, demystifies the sky, as do satellite images of the Earth taken from orbit. Man has conquered the long-orphaned throne of the gods and can now look down on himself.

Christine Gallmetzer’s series “The Captured Sky” operates within the push and pull between mystical significance and scientific knowledge. The term “captured” is quite noticeably loaded with ambiguity here: when applied to a subject, to “capture” is a repressive act that describes the action of a person or group restraining other people or animals. In contrast, the “taking” as well as “recording” of impressions or images seems rather harmless, more peaceful. We are therefore lulled into a false sense of security, because the phrase “captured sky” evidently refers primarily to the paintings and objects – were it not for the many questions that then come up when viewing the works. Our gaze is arrested, our attention seized.


The series, created between 2013 and 2015, consists of works on canvas, mostly horizontal in format, along with objects and a short video. Some of the paintings are of people, while others depict views of a fair-weather sky dotted with clouds onto which a net-like structure is superimposed. Other canvases present delicate geometric bodies and networks against a diffuse background. The artist’s experimental approach to painterly media is striking here compared to her previous work. Although these “celestial images” exude a peculiar sense of calm, much like “Der Turmspringer” (The Diver, 2009), Gallmetzer seems to now stray slightly from the tradition of classical panel painting that was still palpable in “Splendid Isolation” (2009). The handling of paint is more spontaneous: partially sprayed on, it is scraped off again elsewhere, as though significant levels of reality could be found underneath. In addition, it is evident that the artist continues to spin certain themes from previous series, such as the “veiling” and “revealing” that we encounter in “Vanishing”. The effect achieved through the use of clothing and headgear in that series confronts us once again in the caps, helmets and goggles of the parachutists. In both series, the painterly process revolves around nothing less than a quest for hidden truths.

Let us take a closer look at the figurative images first of all. “Capturing the Sky 3” (2014) (fig. #) shows a three-quarter-length male figure at the left edge of the picture. As we can see neither feet nor a horizon, it is unclear where the man is standing. The location remains a mystery. The background shimmers in pale blue. The depicted man’s attention is seemingly directed toward the cords that lead from his right hand and run across the image, some parallel to the edge and some diagonal. Like the figure, they are painted in very loose brush strokes, and since they extend beyond the edge of the image, they seem to spread out to infinity. Of course, our life experience tells us that this man is a parachutist who is apparently pulling in his wind-swollen parachute after a successful landing. His clothes, especially his headgear, give us clues as to the time and place. The same is true of the other images featuring human subjects. In “The Captured Sky” (2015) (fig. #), where two men carrying out indeterminate actions stand facing each other, as well as in the paintings that show three figures, the subjects all seem to come from the same time and context.

In fact, photographs of American parachutists from the year 1939 were used as templates for these paintings.i These pictures resonate in our memories with the patriotic imagery of wartime propaganda and films and America’s later status as a nuclear superpower during the Cold War. In 1939, the war had already begun in Europe, and the build-up to a worldwide arms race was in full swing. It was bound to peak at the point when the development of nuclear weapons and intercontinental ballistic missiles, as well as space travel, became a military and scientific priority. The imperialist expansion of the territorial powers into the sky spelled the end of its metaphysical contemplation. Against this backdrop, the actions of our skydiver in “Capturing the Sky 3” take on a critical twist: bursting with energy and euphoria, he tries to reel in the net he has cast, which is evidently filled with the catch of the day. According to this metaphorical interpretation, this can only be an allusion to the traditional idea of heaven as a place of transcendent, supernatural occurrences: the spiritual and metaphysical captured by rational science. We may be allowed to venture this free interpretation, though it may be incongruent with the artist’s actual intention. For Christine Gallmetzer, the motif of the net, represented in this case by the parachute’s cords, is of greater significance here. These cords cut through the sky, overlaying or segmenting it, just as the nets do in the other sky images. The transformation into an ornament of something (in this case cords) that we can also define as an object – not least due to its obvious photographic origin – is a theme we will revisit later in this text.

For now, let us examine another small-format work, which Gallmetzer named “Knight, Death and the Devil” (figure #) after Albrecht Dürer’s famous 1513 engraving, if only as a free association. Our previously introduced parachutist reappears here as an alleged “knight”. He is accompanied by two other male figures that increasingly merge with the background, appearing to dissolve into it. Which of the figures represents “death” and “the devil” in this case remains open to interpretation. The neutral background hue that sets the tone for the whole picture and the chromatic restriction to shades of grey and ochre seem to express bleak desolation and hopelessness, making this scene the sensory counter-image to “Capturing the Sky 3” with its mood of euphoric optimism.

“The Captured Sky###” (20##) (fig. #), which shows three people who seem to be standing around a tied-up bundle, is similarly oppressive and yet open to interpretation. The gaze of the three subjects is fixed on the hands of the middle figure, but what exactly they are doing is unclear. A hushed aura of mystery surrounds this group of figures, stemming from the lucid application of paint and the volatile brushwork that blurs the outlines. Conspicuous here is a net-like structure, like a chain-link fence, which fills the picture plane behind the figures.

This lattice structure, which appears in modified form in other series by Gallmetzer (cf. the star-shaped net in “Mildura” [2007] from the series “Splendid Isolation”, or the veil of vertical lines over “Louise Bourgeois” [2015] from “A 1000 Times Shoes”) and is implied in “Capturing the Sky 3”, develops a striking dominance in the other images and objects in the series. In the cloud images, Gallmetzer directs her attention exclusively to the sky. We marvel at fluffy clouds that seem to roll past the radiant blue. But this is not a characteristic portrait of the weather like the ones the British Romantic painter John Constable (1776–1837) brought us by the dozen. Gallmetzer’s sky ultimately remains just as indefinable as the people in her other pictures. It seems to embody the idea of the sky more than a scientific, analytical viewpoint. Reinforcing this impression is a white web stretched over the entire image, as if to demonstrate the impossibility of discerning the essence of that which is portrayed. “The true nature of things has a habit of hiding” – so spoke the Greek philosopher Heraclitus in the fifth century BCE. By contrast, things only exist in the twenty-first century if they are manifest, if they can be made graphically visible.

This fundamentally philosophical attitude, which eventually leads to the question of the construction of reality itself, is most clearly revealed in the third group of works. Here, in most cases joining network structures that run parallel to the picture plane, ring-like entities emerge that seem to float through the space. Their shape is reminiscent of a bow net or particle accelerator. The former is used for fishing, and the latter creates conditions like those prevailing shortly after the Big Bang. The experiments performed in the cathedrals of the technology are intended to question, complete and possibly expand our currently accepted model of the universe. Gallmetzer’s objects have volume but no mass of their own; they swell without ever gaining weight. And this brings us to an important question: What particle gives those smallest known building blocks of the universe, the elementary particles, their mass? This is still mostly uncharted territory. Gallmetzer seems to venture onto this mysterious terrain. Even when she – surprisingly – presents us with two objects (fig. #), the actual nature of the structures remains unclear. They explore the unknown, pursue new possibilities and yet seem to be part of a larger whole that pointedly, and yet non-specifically, addresses a fundamental question: What is it that holds the world together at its innermost core? In “The Captured Space” (2013) (fig. #), one of these vortex-like shapes occupies a good one-third of the image. Through painterly means, Gallmetzer creates an impression of before and behind: the vortex form seems to be in the foreground due to the choice of colour and the precision of her brushstrokes, whereas the net structure running parallel to the picture surface is blurred and similar in colour to the surrounding space. Just like in the small-format image (fig. ##) in which three of these centripetal, incurvated vortices overlap in front of an apparent light source, the question of factual existence is raised here: the suggested perspective gives us the impression of the presence of bodies in space, but what do we really know? The monumental painting “The Captured Space” (2013) (fig. #) shows three of these vortex forms. The lines that form the lattice structure recall depictions of moving protons like the ones we are familiar with from reports on the particle accelerator at CERN. With the help of this formidable machine, humankind can perform fundamental physics research into the composition of matter itself. The reference to the tiniest particles and their interactions indicates in this context that, on the metaphorical but also the material level, the lines that form shapes in the images and objects have no substance of their own but are made up of moving particles. The implied quantum physics has its predecessors, among others, in the cosmological vortex theory that already caused René Descartes (1596–1650) to put our view of the world into perspective and which, in the book “Occult Chemistry” (1908), led to the rejection of the idea of atoms being the smallest, indivisible and impenetrable particles of matter.ii In rotating hydrogen atoms, the authors of that book discovered small points of light that swirl around their own central axis. These vortices in the shape of hollow cones group themselves into atomic associations. This recalls the works of the so-called “Vorticists”, a British artists collective formed at the beginning of the twentieth century. To them, the vortex was the point of maximum energy and therefore the starting point at the origin of the cosmos.iii


Christine Gallmetzer’s series “The Captured Sky” explores nothing less than the question of being. With the limited resources of art, she reveals to us the maximum freedom of philosophical thinking. We need only concentrate on the protagonists or figures in these works and how they travel from their own living environments to new and “other” worlds. The figurative element in Gallmetzer’s paintings may be understood as an invitation to ponder central questions of our existence, the core of which – even if science suggests otherwise – we aren’t even close to understanding. Both people and things, though we can locate and name them, dissolve in their visual representation. They remain incomprehensible in their enigmatic, timeless essence. One consequence of quantum physics to which Gallmetzer alludes in this series is Heisenberg’s uncertainty principle. This uncertainty, as inconsequential as it may be with regard to the things in our everyday lives, is essential in understanding the atomic nucleus. In the context of our research into the elementary particles and how they relate to one another, it touches on the central question of the creation of the universe, and hence the nature of our very being.

What spatial concepts does Gallmetzer make use of to send her figures on the journey into fictional “virtual environments”? “The Captured Sky” leaves us thinking about the different levels of our cognition and awareness, whereby we might be reminded of the model Tommaso Campanella (1568–1639) described in his 1602 treatise “Civitas Solis” (“The City of the Sun”), which Christine Gallmetzer chose as the subject of her doctoral thesis.iv According to Campanella, knowledge increases over five levels. The first is based on pure experience through the senses. Specifically applied to the pictures, this would mean the pure perception of colour and form, in addition to the emotional effect. The second level relates to the world as experienced in the coordinates of space and time. On the visual level, this would correspond to the suggestion of spatial depth and time, or staged timelessness. For the third level of knowledge of the world, through the eternal principles of mathematics and geometry, Christine Gallmetzer offers us the figures of the networks and vortices. The last two levels cannot be described in the context of the pictures, but they resonate significantly in the theme of “sky” and “heaven”: the fourth level, according to Campanella, is the comprehension of categories of a higher order. The final level describes the world of archetypes, which is at the same time the sphere of the infinite variety of possible worlds. “The Captured Sky” revolves around this very pursuit of knowledge of the metaphysical.

About my work

I have explored many ideas and subject matter in my work, but the unifying passion in all my paintings is describing a sense of space, volume, atmosphere , arriving at a kind of real expression of the subject matter.

These same pictorial concerns govern when I am engaged in portraiture, a relatively recent theme in my work.

My 'arrival' at painting has been a slightly unusual one, in the sense that I studied philosophy. My rationale for this being that I have always loved the theoretical items of art but also  the making process. Reading, doing research  and thinking are still at the core of the work, but painting allows me to invent other spaces and ideas with no physical constraints.

I paint mainly in oils, applying many layers and glazes to achieve a sense of space and mood sometimes removing partly some of the layers. I keep working at a piece until I feel that I have arrived at an expression of palpable space.

My work is classically inspired and the journey to a painting can be very multi-disciplinary; often involving the construction of props . My themes revolve around ideas of aesthetics, imagination and symbolism, and archetypal and the idea of magical landscapes.

I look at paintings as portals - worlds one can visually step into and be transported and sometimes even transformed by. I believe the primary function of art is to trigger a moment of transcendence in the viewer, a sense of timeless connectedness to the universe. In short to fill one with wonder.

Meine Fragen stelle ich in der Malerei“
veröffentlicht in KUNST/BOESNER April 2018

Der künstlerische Kosmos von Christine Gallmetzer

von Matthias Kampmann

Alles ist so weit weg. Weit – kein Begriff für diese Vokabel, denn sie erfüllt sich in ihrer Bedeutung erst im Jenseits des menschlichen Erfahrungshorizonts. Der endet ja bisweilen am Jägerzaun, und heutige Sportextremisten glauben schon an Unendlichkeit, wenn sie auf einem Berg stehen –aus astronomischer Sichtweise eher kleingeistig. Ungeheure Entfernungen lassen einen stets erschauern, etwa wenn man nachts den Blick in Richtung sternklaren Himmel hebt und diese so weit entfernten Sonnen funkeln sieht. Was hält das alles zusammen? Warum sind wir so klein im Verhältnis zu dem ganzen anderen Raum dort draußen? Schaut man auf den von Christine Gallmetzer 2014 gemalten Fallschirmspringer in seinem altmodischen Dress, wie er die Fäden seines immer noch windgeblähten, aber nicht sichtbaren Schutzes vor dem freien Fall auseinanderzieht, damit sie sich nach der zweifelsohne geglückten Landung beim Einpacken nicht verheddern, mutmaßt man, dass es kaum jemanden geben könne, der selbstsicherer wäre. Der da kümmert sich nicht. Höchstens am Kamin seines Männerclubs. Dort gehen ihn vielleicht die Weiten jenseits der gravitationsbedingten Beschleunigungsgrenze von 200 Kilometern pro Stunde etwas an. Denn schneller wird das freiwillige Fallen auf unserem Planeten wegen des Luftwiderstands nicht – Grenzen müssen eben sein. Aber die Frage, die sich angesichts der unendlichen Endlichkeit des Kosmos stellt, betrifft uns alle, denn wir fühlen dieses waghalsige Gefühl scheinbarer Gewissheit. Der Gewissheit, als Menschheit allein zu sein im All. Weil wir nämlich nicht weit kommen. Also sind wir’s wirklich – allein? Das ist alles sehr beunruhigend. Bekommen wir überhaupt eine Antwort auf die Frage? Wir wissen doch, wie lange die Nachrichten unterwegs sind, und noch gibt es keinen Hyperfunk, der Lichtjahre in Echtzeit überbrückt. Wer sollte uns dann hören? Fragen, die an die Nieren gehen. Fragen, die Christine Gallmetzer sich stellt und in ihrer Malerei in einen Rahmen setzt.

Zurück zum Fallschirmspringer-Ego. In der Betrachtung von Figure and sky, beendet 2014 und gemalt in Öl auf Leinwand, beschleicht den Betrachter noch nicht die kriechende Ungewissheit, was die Menschheit in diesem All, in dieser Milchstraße hält. Das Gemälde zeigt zentral einen aus der Zeit gefallenen, in schmallippig-verschlossener Selbstsicherheit grinsenden Himmelsspringer in einem Dress aus Omas Mottenkiste. Er postiert sich irgendwo auf dem Goldenen Schnitt Richtung linker Bildrand und steht vor einem leicht türkis schimmernden Blauhimmel ohne weitere Gegenstandsinformation. Dann wird es schnell ganz deutlich: Das hier ist nur ein Ausschnitt, etwas Geteiltes. Wenn sich das nicht verallgemeinern lässt? In den Worten der 1964 geborenen Künstlerin klingt das so: „Wahrnehmung ist selektiv. Alle meine Bilder sind natürlich Ausschnittbilder. Bilder sind ganz bewusst immer Ausschnitte.“ Gallmetzer, die neben ihrem Münchner Atelier in den Domagk-Häusern in Schwabing außerdem in der Türkei und vor allem in ihrer Heimat Südtirol lebt und arbeitet, geizt nicht mit Raum. „Wo viel Raum ist, überarbeite ich nicht mehr“, beschreibt sie das formale Ordnen der Bildfläche.

Christine Gallmetzer stammt aus Südtirol und ihre Biografie spiegelt diese besondere Lage zwischen den Staaten. Ländlich gelegen, Berglandschaft: Traumhafte Urlaube verheißt dieser Landesteil, geprägt von Österreich und Italien gleichermaßen wie sie selbst in und mit ihrer Familie. „Das Umfeld von Bozen? Katholisch, kleinstädtisch. Das hat mich natürlich geprägt“, sagt sie. „Ich habe auf jeden Fall ein Heimatgefühl. Das ist doch ein besonderer Reiz für mich. Die Luft. Mein Zuhause. Es ist die andere Seite der Alpen mit ein wenig Italianità. Die Leute tragen die Sonne in sich“, beschreibt sie. „Es mag das Klima sein, es ist einfach ein anderes Lebensgefühl. Ich habe die Farbigkeit der Renaissancefresken im Herzen: Piero della Francesca, Fra Angelico …“

Sichtbar sind diese historischen Bezüge in ihren Bildern nicht direkt. Aber an ihrem Lebenslauf ist die Herkunft auf jeden Fall beteiligt. Die Malerin verkörpert das, was man vielleicht am besten als Herzensüberzeugte bezeichnet: „Ich habe schon von klein auf gemalt.“ Sie besuchte eine wirtschaftlich orientierte Schule, erwarb dort ihr Abitur und wusste stets, dass die Regelschule und der ganz normale Gang durch die Instanzen für sie nicht der Weisheit letzter Schluss sein würde. Ihre Ausbildung verlief jedoch geradlinig, wenn auch ein wenig anders als bei vielen Menschen ihrer Generation: „Meine Eltern waren besorgt um mich. Denn als ich 14, 15 war, gingen alle in die Disko, nur ich habe irgendwelche komischen Objekte gebaut.“ Nach der Schule studierte sie, aber aufgrund der familiären Situation keine Malerei: „Ich wollte schon zur Kunstschule. Das war mein ureigener Wunsch, doch mein Vater wollte das nicht. Es waren die 1970er-Jahre, und alle hatten Angst vor Drogen.“ Dennoch musste eine Entscheidung fallen: „Dann war ich plötzlich 18 und ein freier Mensch – das wurde in unserer Familie so gehandhabt – und konnte mich plötzlich frei entscheiden. Eigentlich wollte ich Kunst studieren, wusste aber nicht genau, ob und wie ich das anstellen sollte. Es gab in Bozen ja keine Akademie. Und außerdem hieß es, Kunst sei brotlos.“ Sie entschied sich für ein Philosophiestudium als theoretische Basis: „Das war ein Kompromiss.“

Aber einer, der sich gelohnt hat. In der Philosophie promovierte sie über Tommaso Campanella und seine „Civitas Solis“. Der Dominikanermönch verfasste diese Utopie einer idealen Gesellschaft und Stadt zwischen 1602 und 1627 im Kerker. Verschrien war er, ein Fanatiker soll er gewesen sein. Trotzdem ist sein „Sonnenstaat“ nicht ein religiöser. Hier steht das Wissen im Zentrum. Science Fiction: Davon hat jede Utopie etwas. Wir können nicht alles wissen. Aber vielleicht können wir uns alles vorstellen. Und wenn die Vorstellung zum Bild wird, ist die Arbeit von Christine Gallmetzer nicht weit. „Es war einfach zu stark in mir“, sagt sie mit Blick auf ihren bildlichen Schaffensdrang. In ihren Arbeiten findet man merkwürdige Zauberwürfel, die Chiffren einer unentzifferbaren Realität durch immer neue Verdrehungen formen. Und alles erlebt sich, ob Raum ob Zeit, über die Sinne: „Alles ist so, dass ich es über meine Sinne wahrnehme. Von der Höhlenmalerei bis heute. Darum bin ich Malerin.“ Wir kleinen Menschen. Ameisengleich verlassen wir uns darauf, dass alles so ist, wie es zu sein scheint. Oben ist oben, ein grüner Apfel ist ein grüner Apfel. Aber dann kommt der Zweifel. Gallmetzer hat ihn spätestens nach der Einschulung erfahren. Sie ist Linkshänderin: „Man hat mir die Hand zurückgebunden. Aber ich habe mich nicht umpolen lassen“, beschreibt sie die Tortur, das Diktat der damaligen Zeit. Doch ihre Geschichte nahm ein glückliches Ende: „Dadurch, dass ich nicht mehr wusste, welche Hand ich nehmen durfte, habe ich immer alles fallen lassen, bis meine Mutter sagte: ‹Jetzt reicht's.› Daher kam ich in eine andere Klasse.“ Heute schreibt sie wie alle Linkshänder mit rechts fließend spiegelverkehrt. Das sei angeboren. Sie mag den Effekt und die Tatsache, etwas beherrschen zu können, was man nicht erlernen musste.

Mit Christine Gallmetzer spaziert man gern auf die anderen Seiten, von denen es im Universum viele zu geben scheint. Ihr Inventar besteht nicht nur aus diesen antiquiert anmutenden Fliegergestalten, die etwa auch in Two figures (2015) auftauchen. Dies ist eines der merkwürdigsten Bilder. Die beiden Fliegerasse tragen Schutzkappen, die an Bademützen erinnern. Sie sind offenbar nicht aus Leder und in jeweils anderer Farbe. Anfangs seien sie ganz militärisch gestaltet gewesen, doch mit der Zeit, die das Bild im Atelier verbrachte, änderten sich die optischen wie haptischen Qualitäten. Zunächst nahm Gallmetzer durch Blümchenhelme das Kriegerische aus dem Setting. Dann wurde weitergearbeitet. Jetzt ist die Art des Farbauftrags vergleichbar mit dem unförmigen Rund aus pastosem gelb-schwarzen Farbauftrag am unteren Bildrand, aber nicht mehr ganz so schwerflüssig. Dieses Rund teilt diese Strecke in annähernd zwei gleiche Hälften. Zusammen mit den Kopfbedeckungen der Männer ergibt sich ein spitzwinkliges Dreieck. Das Gemälde erscheint recht symmetrisch durch diesen kompositorischen Kniff. Der Hintergrund verdient Aufmerksamkeit. Es ist wie so oft in der Malerei der Künstlerin, dass ähnlich wie im frühen Barock eines Caravaggio der Hintergrund nicht viel auszusagen scheint. Dass er dagegen die Figuren erst recht ins Auge rückt. Dennoch lohnt das Hinsehen hier ebenso wie bei diesem wegweisenden Meister des Hell-Dunkel. Der Horizont beispielsweise ist in der Mitte zwischen den beiden Gestalten unterbrochen. Durch zahlreiche Überarbeitungen ist die Oberfläche schrundig geworden. Sie wirkt wie vielfach übermalt, ist fleckig und vielschichtig. Daher lässt sie keine Eindeutigkeit zu. In vielen Bildern erscheint der Hintergrund so. Da ist keine Koordinate, die den Raum offenbart. Und damit scheint auch die Zeit aufgehoben zu sein, denn wir erleben diese ja nur durch unser Verhältnis zum Raum.

Stichwort Überarbeiten: „Bilder sind gelitten. Es ist nicht so, dass es beim ersten Mal klappt“, berichtet Gallmetzer, die manche Werke „Kalvarienbilder“ nennt: „Durch die muss ich mich durchkämpfen.“ Stehen ihre Arbeiten im Atelier, kann es ein Alptraum für Sammler oder Galeristen werden, wenn ein Bild wieder und wieder Veränderungen erfährt. Die Realität steht eben auch nicht still, und Relativität etwa auch von etwas Festem ist Gesetz. „Die Geschichte hat mich nie losgelassen. Ich ‹ermale› mir die Realität.“ Diese Veränderungen und der Wille, den Kosmos so zu gestalten, wie es der Künstlerin stimmig erscheint, geht über das malerische Kalkül hinaus. Mit Blick auf die Entstehung eines Gemäldes sagt sie: „Es haben sich so viele Schichten überlagert. Erst kam ein Netz, dann Himmel, dann wieder fort. Geheimnisvolles Gebilde in der Mitte.“ Einen Weg zu suchen, Bilder dynamisch und dennoch plausibel zu halten, stellt einen Prozess dar, der nicht einfach ist. Seine Wurzeln hat er in der Kindheit. Da gab es die Geschichte eines Mädchens, das Gemälde berührte, die daraufhin Realität wurden. Das fasziniert Gallmetzer bis heute. Es ist ein Movens zu malen. „Bilder sind eigentlich Statements der Begrenztheit unserer Wahrnehmung“, denkt die Malerin. Und dennoch erlebt sie das Glück, der eigenen Freiheit, dem Wunsch, etwas zu gestalten, keine Schranken auferlegen zu müssen. Es sei denn, es geht um die Notwendigkeit, die sich aus dem Bild selbst ergibt. „Ich mache das so und keiner kann es widerlegen oder kann behaupten, es sei nicht so.“

Deswegen finden sich auf den Bildern viele paradoxe Paarungen. Turmspringer fliegen endlos in einem blaugrauen, leeren Raum auf kein Ziel hin. Sie scheinen in der Luft zu stehen. Aus einem atmosphärischen Himmel tauchen die Ereignishorizonte von Schwarzen Löchern auf. Da steht die Naturwissenschaft Kopf. „Auf meinen Bildern geht es doch, dass etwas gleichzeitig ist, was die Astrophysik heute nicht erlaubt. Doch vielleicht ist es in Zukunft so?“ fragt sich Christine Gallmetzer. In Filming Monet (2017) etwa genügt das Zitat der Seerosen, um zu wissen: Man ist in Giverny, im Park des Anwesens von Claude Monet südlich von Rouen in der Normandie. In dieser Malerei über Malerei schwimmt ein Schlauchboot, als sei es soeben aus einem Bild von Mark Tansey entkommen. Darin kniet vorn im Bug ein filmender Mann. Zumindest glaubt man, er habe eine klassische Bolex-Kamera in der Hand und drehe einen Streifen über die farbigen kleinen Wunder dieses französischen Meistermalers. So ganz sicher kann man sich jedoch nicht sein. Vielleicht ist es ein Gerät, um den Grad der Fiktion oder gar die Güte ihrer Qualität zu betrachten. Etwa so, wie ein Mikroskop das Kleinste sichtbar macht. Vielleicht sieht man damit auch die Grenze zwischen Fiktion und scheinbarer Wirklichkeit? Was nur verschwindet zwischen solchen Deutungsdimensionen? Die Wahrheit? Was bedeutet sie, wenn eines gewiss und wichtig ist: dass Uneindeutigkeit Programm ist?

Das Verwaschene, Nebulöse, wie kommt das eigentlich zustande? Natürlich durch die vielen Überarbeitungen, aber auch durch die spezielle Technik, die Christine Gallmetzer einsetzt: Eitempera und Öl in mehrschichtigem Farbauftrag. „Ich verwende viel Eitempera, da ich die matte Erdigkeit mag, die den Bildern auch bei vielen übereinandergelegten Schichten erhalten bleibt. Außerdem finde ich es schön, wenn sich die darunterliegende Farbe wieder etwas löst und mit der neuen Schicht vermischt. Durch die Untermalung mit der Eitempera erhalten die darüberliegenden Schichten einen warmen Ton.“ Das ist eine Erklärung für die warme Distanz, die aus den Bildern spricht. Diese paradoxe Formulierung ist nur ein Behelf, um anzudeuten, dass man stets mit einem Gefühl der Befremdung schaut. Es ist schwer vorzustellen, sich mit einer Figur auf den Bildern zu identifizieren. Das scheint nicht zu funktionieren. Der Turmspringer kehrt einem den Rücken zu. Die Fallschirmspringer haben mit ihrer Selbstherrlichkeit genug zu schaffen. Die anderen Personen agieren, und die Gegenstände sind Rätsel ohne eindimensionale Lösung. Man hütet sich jedoch vor dem Wort Geheimnis. Denn religiös sind die Bilder in keiner Weise. Es ist dieser durchweg weiche Ton, der die Arbeiten erst einmal sympathisch macht. Dann kommen die merkwürdigen Dinge hinzu, ein Loch im Himmel, ein Mädchen, das ins Blaue springt, eine seltsame Vogelerscheinung hinter einem Loch, gesehen durch einen Vorhang aus Farbschnüren. Die Reihe lässt sich fortsetzen.

Manchmal fragt man sich, warum diese merkwürdigen Figuren, von denen man nie so genau weiß, was sie wirklich tun, so historisch anmuten. Und dann ist man wieder da: Zeit, und immer wieder die Zeit. „Wir stehen mit einem Fuß in der Zukunft und mit einem in der Gegenwart.“ Sehr schnell kommt man erneut zur Relativität. Dass nichts wirklich festzustehen scheint, dass alles von der individuellen Deutung abhängt. Das sei nicht nur mit Blick auf die sich häufig verändernden Bilder so, sondern mit allem, was wir Menschen hervorbrächten: „Auf jede Strömung folgt eine Gegenströmung. Wahrheit? Was ist das? Meine Fragen stelle ich in der Malerei.“ Aber die Antworten geben wir Betrachter uns und sollten stets vor Augen haben, dass das alles unser Blick ist. Wir blicken und schauen wie die ersten vernunftbegabten Wesen. Dann entstehen Geschichten. Zauberhafte Stories von Stardust (2016) oder Antimatter (2014). Und da ist sie wieder, diese Faszination an Physik, Astrophysik und Science Fiction. Das alles ist paradox. Es gibt einen Roman, der jüngst mit Preisen überhäuft und natürlich von Gallmetzer gelesen wurde: „Die drei Sonnen“ von Cixin Liu. Der chinesische Autor beantwortet in diesem spannenden wie geistreichen Buch unter anderem die Frage, was für eine Kultur ein Planetensystem hervorbringt, das drei Sonnen besitzt und in dem das berühmte „Dreikörperproblem“ alles Leben beherrscht: Der Bahnverlauf der drei Gestirne ist chaotisch und nicht vorhersagbar. Das bedeutet mal Hitze, mal Polarkälte; kurzum: permanentes Witterungschaos. Eigentlich kann da niemand dauerhaft überleben. Kein Wunder, dass die Zivilisation von dort fliehen will. Dazu schickt sie, weil sie technisch weitaus entwickelter ist als die Menschheit zu Beginn des 21. Jahrhunderts, zunächst zwei Protonen, also etwas aus dem subatomaren Bereich, in das sie Supercomputer eingebaut hat. Das sind Vorstellungen, die sich jeder Plausibilität entziehen. Es sei denn, man beginnt einmal damit, über gegenwärtige Kosmologien nachzudenken. The captured Sky heißt ein Gemälde aus dem Jahr 2015. Ein unregelmäßiges Netz, das sich wellt, liegt über einem bewölkten Himmel. Der gefangene Himmel. Das klingt nicht nur poetisch, sondern weckt die Neugier, denn: Was ist das alles, was machen wir? Was ist das Licht, wenn es zugleich Teilchen oder Welle ist? Wie entfaltet man Protonen? Wann entsteht eine neue Realität? Das Spiel mit Zeit und Raum: Wer darf es spielen? Und was ist jenseits der Schwarzen Löcher? Und was kommt noch auf die Menschheit zu? Gallmetzer ist neugierig: „Unsterblich müsste man sein. Ein Menschenleben ist einfach viel zu kurz.“

The captured Sky entstand noch im Atelier in der Türkei, in Bodrum, an der ägäischen Ostküste. Christine Gallmetzer glaubt, die sei „der schönste Fleck der Welt. Heute ist der Aufenthalt dort aus politischen Gründen eher problematisch.“ Neben allen naturwissenschaftlichen Paradoxien findet hier die Tagespolitik einen Weg ins Geschehen. Denn auch diese Lesart funktioniert: Das Große und das Kleinste stehen tatsächlich miteinander in Verbindung. Aber ist dann alles determiniert? Die Kunst ist ein wunderbares Medium für diejenigen, welche das nicht mögen. Dabei hilft auch die Ordnung, die die Künstlerin vorgibt. Oft arbeitet sie mit der Spannung, die sich aus der Teilung der Grundseiten durch den Goldenen Schnitt ergeben. Dann setzt sie Körper als formale Ordnungselemente ein. Das wurde ja schon deutlich in Two Figures und ihrer Rolle für die Symmetrieerfahrung in dem Gemälde. Ja, es gibt Vorgaben, aber nicht alles ist so fix und unverrückbar, wie es die Menschheit vor Kepler, Galilei und Kopernikus haben wollte. Sicher haben wir formalisierte Figurationen. Da steht ein Rechteck zum Rechteck, und man sieht in ihnen nicht mehr Frauenfiguren oder Sessel. Das Universum, das ungefähr 13,6 Millionen Jahre alt sein soll, dehnt sich immer weiter aus. Wir wissen um dunkle Materie, aber ergreifen können wir sie ebenso wenig, wie wir den Inhalt der Bilder von Christine Gallmetzer erfassen können. Das Universum hat eine Dichte von 10-29 g/cm3. Dieses Maß taugt nicht, um etwaige intellektuelle Qualitäten zu bemessen. Hier entziehen sie sich wieder ganz diskret in ihrer Eitempera-Weichheit mit einem enigmatischen Gegenstandsreichtum, der herausfordert zum genauen Sehen, zum Nachdenken, zum Vorstellen. Alles ist weit weg. Aber diese Worte, die Vorstellungen wecken, die im Kopf entstehen, wenn diese Bilder plötzlich ein kinematografisches Erleben projizieren, holen die Ferne als Bilder nah heran – selbst wenn das Dargestellte so ungreifbar wie der Pferdekopfnebel im Sternbild des Orion bleibt.

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Actually till 2024: Artist Residency, Städtisches Atelierhaus am Domagkpark, Munich



Catalogs and Books

The Captured Sky
2016 Folio Verlag, Wien
Text: Christian Philipp Schoen
ISBN 978-3-85256-694-8
siehe nebenstehender Text

Portrait C. Gallmetzer
Der künstlerische Kosmos
APRIL 2018
Matthias Kampmann
siehe nebenstehender Text

Athesia 2010, Bozen
Texte: Bettina Blumenberg, Donata Wenders
Körper, Licht und Gegenwart 
2005, Atheist 2005, Bozen
Text: Jochen Meister, Pinakothek der Moderne, München

Del corpo umano e della sua presenza-assenza
nella pittura di Christine Gallmetzer
1999 Athesia, Bozen
Text: Ivana D'Agostino, Rom

Portrait C. Gallmetzer
Der künstlerische Kosmos
Matthias Kampmann